Sala 24: GREASE

Todo un clásico aunque nos pese a más de uno. A mí no, por supuesto que, aunque he vivido toda mi vida con la banda sonora en casa y la película rondando también por allí, no ha sido hasta mi vida adulta cuando me decidí a visionarla con atención e interés. Conclusión, una gran parodia con demasiada música - ya que alguna canción yo la quitaría - (aunque en realidad para eso es un musical ¿verdad?), papeles simplones pero divertidos y diálogos más simples aún. Pero ese es el encanto de esta peli ¿no?
Yo en cuanto la vi me di cuenta que, desde la canción de cabecera, llena de caricaturas de los personajes, hasta el grandioso y edulcorado final, pasando por los actores demasiado maduritos para hacer de chavales de 17 años y las adecuadas sobreactuaciones de los mismos, conforman en realidad una gran sátira bastante divertida y en clave de sol de las películas de amores de instituto y rebeldes de los 50.
Esta película supuso el salto a la fama de Travolta, un actor que ha ganado mucho con los años (a pesar de lo avergonzante no creo que se haya arrepentido de hacerla) y el momento estrella de Olivia Newton-John de la que se ha oído poco más que hablar después.

Inolvidables algunas melodías, míticas y requetemíticas algunas escenas, eternos algunos nombres y personajes. Yo ahora me dedico a verla para animarme en una tarde tristona y, aunque exista el cliché de que los musicales son cosa de mujeres y gays, esta película no entiende de sexos ni edades ya que hace reír y bailar a todo el que se presta a envolverse con la locura que provoca, ya sea por nostalgia o por el contagio de unos temas que han llegado a todas partes. Haced lo que queráis, pero si la veis, disfrutadla.

Título: Grease
Director: Randal Kleiser
Intérpretes: John Travolta, Olivia Newton-John, Stockard Channing, Jeff Conaway, Didi Conn, Lorenzo Lamas, Dinah Manoff, Barry Pearl, Michael Tucci...
Año: 1978
País: EEUU
Sinopsis: Sandy y Danny vivieron un amor de verano que les dejó huella. Pensaban que no volverían a verse más pues ella habría de marchar a Australia, pero resulta que no y el destino les lleva a estudiar en el mismo instituto. Todo habría de ser una magnífica coincidencia pero resulta que pertenecen a mundos totalmente diferentes. Ella es una niña de bien y el un rebelde que ha de mantener la reputación. Pero ambos irán cambiando conforme avance el curso porque, ya se sabe, el amor ha de triunfar. ¿No?

Sala 23: EL PRÍNCIPE DE EGIPTO

No hace falta ser creyente para admirar esta película. Una película que, a pesar de ser para toda la familia, tiene escenas duras y complejas, emocionalmente, me refiero. Una película que, aunque de temática bíblica y énfasis en la Fe y bla bla bla, es una gran historia bien contada (y más o menos fiel a las escrituras). A mí me encanta y eso que ya la he visto muchas veces.
Entretenida y emocionante, espectacular en algunas escenas y perfectamente hecha artísticamente hablando.
Con una banda sonora acorde y el típico trasfondo de sacrificios, amistad y moralejas que Disney ha puesto en tantos y tantos largometrajes. Quizá sea por eso que esta película, que es producto de la competencia directa de los estudios del "ratón Miguelito", esto es, Dreamworks, haya triunfado de una forma tan acusada, cuando estos estudios aún no conocían el placer de derrotar al gigante de la animación mundial.
Hermoso el detalle de la voz de Dios. Fijaos y percibiréis una voz masculina con el fondo de una voz femenina entre susurros.
Pues eso, que está muy bien y es amena y hermosa.

Título: El Príncipe de Egipto (The Prince of Egypt)
Director: Simon Wells, Steve Hickner, Brenda Chapman
Estudios: Dreamworks
Año: 1998
País: EEUU
Sinopsis: Cuenta el retrato bíblico de Moisés desde la cruel época en la que nace hasta que libera a los hebreos de la esclavitud a la que Egipto los tenía sometidos, centrándose en la relación que tenia con su hermano Ramsés, el faraón.

Sala 22: CLEOPATRA

Esta es una película hermosa. Casi todas las que veo últimamente lo son. Por lo visto el otoño me pone ñoño, válgame el pareado, y opto por ver historias que me ilusionen y emocionen antes que las que me entretienen, asustan o ansían.
Cleopatra es la historia de una mujer que se convierte en la historia de dos, para volver a hacernos darnos cuenta de que nunca ha dejado de ser la historia de una. Cuenta la búsqueda de sí misma de una mujer mayor que ve la oportunidad de mandar todo al carajo por unos días junto a una jovencita que también anda harta de su vida y que le brinda esa oportunidad. En parte es una historia de carretera, vidas ajenas y paradas diversas, al estilo Telma y Louise, para descubrir pequeñas historias que nos van diciendo más, a cada escena, de los personajes principales. Pero también en parte es una historia de reflexión e irreflexión. Una de esas películas que nos hacen plantearnos cómo sería nuestra vida y qué consecuencias tendría para nosotros hacer lo que las protagonistas hacen. Y, de hecho, nos crean esa curiosidad y una pequeña envidia que subsanamos diciéndonos que la ilusión, espontaneidad y locura que se da en la gran pantalla nunca se lleva a cabo en la realidad, que es del tipo de cosas que se piensan y no se hacen.
Además está bien interpretada, con toques de humor limpio y con escenas de emotividad que se ajustan a lo que la realidad exige, es decir, no nos regodeemos en llanto que en la vida hay mucho por lo que sonreír.
Como siempre, vedla cuando tengáis un rato. Está bastante bien.

Título: Cleopatra
Director: Eduardo Mignogna
Intérpretes: Norma Aleandro, Natalia Oreiro, Leonardo Sbaraglia, Héctor Alteiro...
Año: 2003
País: Argentina y España
Sinopsis: Cleopatra es una maestra jubilada que frustró su sueño de actriz en la juventud. Ahora trabaja en lo que puede para poder subsistir y mantener a su marido, el cual está pasando una mala racha sin trabajo y sintiéndose un fracasado, sin ánimo ni para salir de casa. Un día conoce a Sandra, una joven estrella de telenovelas muy conocida que está apunto de dar el gran salto al mercado internacional pero que está cansada de la vida que lleva en la que nada de lo que hace es decisión suya. Juntas se embarcan en un viaje en coche hacia ninguna parte en el que ambas puede que encuentren lo que buscan, o tal vez no.

Sala 21: LOVE ACTUALLY

Todas las caras del amor, las buenas y las no tan buenas confluyen en esta película. Bueno, todas no porque el amor tiene tantas caras y formas como personas hay en la Tierra. Amor romántico, amor ciego, amor fraterno, amor de padres, amor a primera vista, amor por obligación o costumbre, desgastado amor...
Amor que, efectivamente, está por todas partes, donde menos te lo esperas y bajo cualquier aspecto y en el lugar más inesperado para llenar o vaciar nuestras almas y nuestros corazones. Amor que trae ilusión, pero también trae muchas angustias, frustraciones y tristeza. Amor que supone riesgo a veces, sacrificio y aplomo. Amor que a veces es tan fácil como dedicar una sonrisa y a veces, a pesar de tenerlo delante, la vida nos lo complica con miles de interrupciones, problemas y miedos que hemos de solucionar. Amor que nos deja desvalidos y desesperados o amor que inunda nuestra vida y la cambia radicalmente.
La película cuenta escenas de clásico romanticismo y emoción pero también comedia, con decenas de protagonistas, actores y actrices que la hacen buena y bien interpretada, además de apariciones estelares que le dan un toque especial. Rodada muy bien con los ángulos exactos y los diálogos precisos. Una cinta navideña 100% ideal para las fechas que se aproximan, para una fría tarde de Diciembre en buena compañía. Una tarde en la que poner un poco de calor a nuestros sentimientos y darnos cuenta que sí, que aunque muchas historias que acaban mal, hay otras miles que terminan en final feliz.
Todo eso acompañado de una banda sonora colmada de temas elegantemente escogidos y de todo tipo, para animar y para emocionarse.

Título: Love Actually
Director: Richard Curtis
Intérpretes: Hugh Grant, Liam Neeson, Colin Firth, Laura Linney, Martine McCutcheon, Emma Thompson, Alan Rickman, Keira Knightley, Bill Nightly, Billy Bob Thornt, Rowan Atkinson...
Año: 2003
País: Reino Unido
Sinopsis: Londres, víspera de Navidad. Una escenificación del amor hoy en día a través de los logros y decepciones de una serie de personajes de lo más variopinto, que pasan, han pasado o se disponen a pasar por situaciones difíciles y bellas en las que el amor estará presente facilitando o haciendo más duro esto de vivir.

Sala 20: CADENA PERPETUA

¿Qué puedo decir de una de mis películas favoritas? A mí me ha dado muy buenos ratos y eso que la he visto unas cuantas veces y se supone que cuando ya sabes lo que va a pasar, disminuye hasta desaparecer la emotividad, el suspense o la ilusión. En mi caso, creo que todo eso aun está lejos de desaparecer.
Pues eso, esta es una película perfecta, entretenida, embaucadora e interesante. Una película que parte de una injusticia y te lleva, lleno de frustración rabia, hacia el interior de un cárcel en la que un preso cumple una condena enorme, la más enorme por partida doble, por un crimen que no cometió. La pena y la rabia se van trasformando paulatinamente en esperanza, sonrisas y ternura al ver como se van desenvolviendo los acontecimientos. El personaje principal, uno de los papeles que más famoso ha hecho a Tim Robbins, se gana tu confianza y admiración, al igual que los compañeros, en especial el gran Morgan Freeman, un tipo que siempre me gusta en todo lo que he visto de él. Por el contrario, los antagonistas de la película se ganan fácilmente tu odio y ganas de matar. Ese tipo de films escasean hoy en día porque construir malos de cine que calen hondo es casi tan complicado como hacer un protagonista que no puedas olvidar. Un clasicazo ya casi, y muy bien valorado.
En fín, vedla cuando podáis que tiene escenas de todo tipo: de las que llenan de tristeza, de las que ilusionan, de las que nos hacen sentir impotentes, de las que nos hacen sonreír de satisfacción, de las que nos hacen apretar los dientes, de las que nos hacen aplaudir de orgullo, de las que nos dan envidia, de las que nos motivan a vivir,...

Título: Cadena Perpetua (The Shawshank Redemption)
Director: Frank Darabont
Intérpretes: Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, James Whitmore, Gil Bellows, William Sadler, Mark Rolston, Clancy Brown
Año: 1994
País: EEUU
Sinopsis: Corre el año 1947, Andy Dufresne es encarcelado bajo la pena de dos cadenas perpetuas en la prisión de Shawshank por el asesinato de su mujer y de su amante. Todas las pruebas apuntaban hacia él aunque éste mantiene que es inocente. Es frío y reservado y la vida allí no se le hace nada fácil al principio pero poco a poco consigue ir adaptándose y ganándose la amistad y el favor de los presos, de los guardias y del mismísimo alcaide. Así, los años pasan y allí parece no pasar el tiempo. Pero algunos acontecimientos insesperados que dejan al descubierto su destino hacen que Andy se replantee su estancia allí.

Sala 19: EL HIJO DE LA NOVIA

Esta película es una delicia de buen cine. No por contar una historia milenaria, ni tener una dirección mítica que pasará a la historia, tratar un tema polémico o un mensaje claro y revolucionario. Es más, parece la típica historia del empresario estresado cuya vida familiar, a la que apenas dedica tiempo, es algo lamentable y compleja y un día sufre un infarto y su vida cambia. Pero no, esta película es mucho más que eso. Es una historia de ilusiones, un trozo de realidad triste mostrada tal y como es y tal y como puede ser si la intentamos cambiar, que para eso estamos. Ilusiones de infancia rotas, sueños de adulto fracasados, planes de vejez alocados. Una historia de ilusiones rotas y todo eso pero, sobre todo, una historia de como podemos, con tesón, ganas y esperanza, recomponerlas.
Una cinta muy bien filmada, interpretaciones a las que hay que prestar atención porque son buenísimas y tan naturales que, si no fuese por la calidad de la imagen, parecerían sacadas de un reportaje a pie de calle. Destacaría a Darín pero es que todos el reparto lo hace de fábula. La historia cuenta con un gran personaje principal construido y perfeccionado poco a poco, y personajes que lo rodean complementándolo y envolviéndolo en una especie de abrazo de protección que lo cuida y lleva por el buen camino, como ocurre con muchas de las personas que conocemos en la vida real.
Los diálogos llegan al fondo, no por extremadamente profundos (aunque alguno de ellos supera ese adjetivo) sino por "reales" y emotivos, tanto como los susodichos personajes, que más que personajes son "personas".
En definitiva y con algo más de razón que de costumbre, os la recomiendo.

Título: El Hijo de la Novia
Director: Juan José Campanella
Intérpretes: Ricardo Darín, Héctor Alterio, Norma Aleandro, Natalia Verbeke, Eduardo Blanco, Gimena Nóbile...
Año: 2000
País: Argentina
Sinopsis: Rafael es dueño de un restaurante en Buenos Aires, divorciado y con una hija, y está pasando un bache en su negocio en plena crisis argentina en el año 2000. Para colmo, su madre está ingresada en una residencia con la Enfermedad de Alzheimer robándole cada día más recuerdos y él evita todo lo que puede visitarla. La relación con su ex-mujer no va muy bien y la que tiene con su nueva novia tampoco es para tirar cohetes. Además, aparece en escena un antiguo amigo de la infancia extrañamente alegre y misterioso.
Un día, su padre le viene con una disparatada y romántica idea para con su madre: casarse con ella por la Iglesia después de 44 años de relación, porque ella siempre lo había deseado. Esta noticia, junto con el infarto que viene a visitarle de repente, harán que su pequeño mundo cambie.

Sala 18: El GRECO

Este ha sido un film que me ha sorprendido gratamente en muchos aspectos. Los negativos han sido los menos, eso sí. Para empezar, los papeles principales me han gustado. El Greco no tanto, la verdad, porque lo he visto dudar en algunos momentos (yo me entiendo), pero el cardenal Niño de Guevara me ha parecido un personaje muy bien logrado y magníficamente interpretado por Juan Diego Botto, en contra de lo que había escuchado, que tampoco era mucho. Pues eso, me ha parecido fascinante la psicología de ese personaje y la interpretación de ella por el susodicho actor (un malo malísimo intrigante y obsesivo). La dama española de la historia, Laila Marull, que ya ganó un Goya, también lo clava como la tontita inocente mujer de El Greco. Lo que menos me ha gustado: el doblaje. Es pésimo y, como ocurre en otras buenas películas, estropea muchísimo algunas grandes escenas.

La ambientación muy conseguida (y costosa, todo hay que decirlo, que no es una superproducción de Hollywood), la música genial, y el argumento especial y apasionante, sobre todo para los morbosos amantes de la historia como yo, sucediese o no. En pelis como ésta me encanta imaginar que realmente sucedió así y que estoy reviviendo algo intrigante que ocurrió hace siglos. Digo que el argumento es especial porque no se basa en el típico engrandecimiento o decadencia del protagonista. Además, es curiosa en cuanto a las obras de arte que salen y como remate, le dan algo de chispa los guiños del director acerca de personajes de la época y los toques de humor y sarcasmo en la narración del protagonista, que me han sacado alguna sonrisilla. Como de costumbre, os la recomiendo.

Título: El Greco
Director: Yannis Smaragdis
Intérpretes: Nick Ashdon, Juan Diego Botto, Laia Marull, Lakis Lazopoulos, Dimitra Matsouka, Roger Coma...
Año: 2007
País: Grecia, España
Sinopsis: Doménico Teotocópulus vive en la isla de Creta durante la época de la ocupación veneciana. Allí es un pintor reconocido y admirado. Pero, por cosas del destino y de la guerra, acaba viviendo en Venecia (enemiga de su pueblo) y trabajando en el taller de uno de los grandes maestros de la época: Tiziano. Allí comienza a despuntar y crear estilo propio siendo conocido como ‘El Greco’, vive una relación amorosa algo accidentada y conoce a un cura español, Niño de Guevara, que lo convence para venir a España. La película abarca, principalmente, sus creativos y felices años aquí, su salto a la fama y sus roces con la Inquisición, en especial con uno de sus miembros.

Sala 17: MEMENTO

Peliculón confuso con saltos atrás y adelante acerca de un chaval que, de una forma un tanto poco probable (neurológicamente hablando, digo), pierde la memoria anterógrada, esto es, la capacidad de crear nuevos recuerdos. Su memoria queda reducida a dos minutos aproximadamente. Y es imposible que retenga a más largo plazo información nueva.

Me gusta como están planteados los personajes y su ambiguedad porque hacen mucho más intrigante la historia y pienso que realmente, en una situación como la que vive el protagonista, no podrías confiar en nadie. Sobre todo porque todos los que conoces se hacen desconocidos cada dos minutos.

También me gusta como está estructurada porque en muchas escenas te sientes tan angustiado y confundido como el protagonista y eso es bueno, muy bueno para una película de esas características. Aunque, al menos, puedes ir recomponiendo el rompecabezas de la historia. Con algo de dificultad, eso sí y dejándote atrás algún que otro dato. Pero bueno, nada que no solucione una segunda o tercera visualización, como todo buen thriller debería requerir.

En la película lo que prima es el argumento, aunque no hay que desdeñar las actuaciones pero no es una historia de papelones importantes. A mí me apasionó desde la primera vez que la ví y es una de las que recomiendo siempre. No sólo a quienes buscan una buena película que les absorba y que tenga acción sino a los interesados en los aspectos psicológicos de la cinta. Porque plasma de forma práctica (eso sí, siempre con el toque de ciencia-ficción) ese tipo de amnesia y las consecuencias devastadoras para la vida de una persona. Vedla, un par de veces o tres, no os cortéis. Os gustará.

Título: Memento
Director: Christopher Nolan
Intérpretes: Guy Pearce, Carrie-Anne Moss, Joe Pantoliano, Mark Boone Jr., Stephen Tobolowsky, Harriet Sansom Harris, Jorja Fox...
Año: 2000
País: EEUU
Sinopsis: Leonard ha perdido la memoria cuando le golpearon la cabeza unos tipos que entraron en su casa y mataron a su mujer. Es lo último que recuerda y se ha clavado en su mente dando un sentido a su nueva vida. Está obsesionado con encontrar y acabar con el asesino de su mujer y para ello, consciente de su problema, usa como método de recuerdo el fotografiar casi cada cosa que evalúa como importante y dejar notitas por todas partes, incluyendo su propio cuerpo, que va llenando poco a poco con tatuajes. Esta vez parece que ha encontrado indicios fiables que lo llevan hacia su objetivo. O eso cree. La cruzada que ha emprendido lo llevará a algo más que llevar a cabo una venganza porque no sólo no podemos fiarnos de los demás cuando tienen intereses diferentes a los nuestros, sino que no podemos fiarnos de nosotros mismos. Si nuestra mente nos engaña continuamente en estado normal, imaginad si está condenada a no recordar.

Sala 16: VOLVER

Tremenda película de Almodóvar. Ese director español que tan famosillo y aclamado se ha hecho y que está dando que hablar en el mundo entero. Según mi humilde opinión, Almodóvar es un director que yo meto dentro del tipo de directores que, o bien te parecen extraordinarios, o bien detestas profundamente sus películas. (Al menos, en opinión de la gente que conozco y con la que he hablado alguna vez de cine - mi humilde encuesta particular -)

Aunque he de decir que Volver se sale un poco de la temática convencional y estereotipada que se tiene del cine de este autor, es decir, sexo, prostitutas y gays. Nada más lejos de la realidad, al menos, según yo. Esta película me encantó. Desde la sublime actuación de Penélope, que lo hace de lujo en cada escena, pasando por el logrado guión, la historia tragicómica y extraña que cuenta, los personajes tan particulares y todo el reparto que está lleno de buenas interpretaciones. Me gustó hasta el último fotograma, hasta el último escenario, hasta la última frase. No sé que más decir de ella, sólo que es una de las películas de las que mejor hablo siempre. Creo que es la película más profunda de Almodóvar y me gusta muchísimo como retrata las idas y venidas de tres generaciones de mujeres y las relaciones entre ellas. Os la recomiendo.

Título: Volver
Director: Pedro Almodóvar
Intérpretes: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Chus Lampreave,Yohana Cobo...
Año: 2006
País: España
Sinopsis: Raimunda vive en Madrid con su hija y su marido. Su hermana también vive cerca y mantienen contacto. Raimunda se vino muy joven hace años del pueblo terminando de forma brusca y misteriosa la relación con sus padres, que poco después murieron en un incendio. Un día su tía del pueblo, el último hilo que la ataba a ese lugar, también fallece y la cosa empieza a cambiar. Se revuelven, literalmente, los fantasmas del pasado. Historias que se callaron, que se dejaron atrás resurgen para trastocar las vidas de las hermanas y de alguna que otra vecina y amiga. Por otro lado, la relación de Raimunda con su marido y con su hija también sufrirá un golpe inesperado para aderezar aún más la agitada vida de las protagonistas.

Sala 15: CONSTANTINE

Esta película no es gran cosa. Tampoco es una gran mierda, no os vayáis a creer. La dejo caer aquí en el blog por el hecho de que cuando comencé a hacerlo, decidí hablar de todo tipo de pelis que haya visto para aconsejar que las veáis, en el caso de que me gustasen. Os la recomiendo porque, en su género, está bastante bien. Con el género no me refiero al terror, ni al suspense ni a la fantasía o a la acción sino al tipo de películas que se hacen por mero entretenimiento. (Según mi subjetiva clasificación) Es decir, esta es una gran película para su finalidad; por ejemplo: para pasar una amena tarde de domingo o quitarse de en medio, sin aburrirte, dos horas de un vieres noche en el que optas por quedarte en casa. Un film lleno de efectos especiales, imágenes alucinantes, estética siniestra y actual acompañada de música cañera en algunas escenas. Muchos demonios de todo tipo y por todas partes, planes establecidos, teorías de ángeles, demonios y equilibrio, rituales extraños, objetos legendarios, cielo e infierno y quizá una pretensión ética o didáctica sobre la fe y el bien y el mal. Y buenos actores principales haciendo papeles mediocres, todo sea dicho. Pero bueno, que no todo puede ser cine de autor o con mensaje en esta vida. En fin, algo así como Dios y Lucifer jugando a las cartas, apostando almas humanas. Y todo eso optimizado por la presencia de un Keanu Reeves, más chulo que un ocho verde pistacho, fumando todo el rato con aire de John Wayne. Y mi querida Rachel Weisz, que cada día me parece más guapa y actúa mejor.

Título: Constantine
Director: Francis Lawrence
Intérpretes: Keanu Reeves, Rachel Weisz, Tilda Swinton , Shia LaBeouf, Pruitt Taylor Vince, Djimon Hounsou…
Año: 2005
País: EEUU
Sinopsis: John Constantine es un exorcista que vive en Los Ángeles que fuma compulsivamente. Dedica sus días a expulsar demonios de este mundo como una especie de redención autoimpuesta con motivo de un pecado que arrastra de hace años y que lo lleva directo al Infierno. Por otro lado, Ángela es una policía cuya hermana gemela acaba de suicidarse tirándose desde la azotea del hospital donde se encontraba. Constantine últimamente está percibiendo movimientos demoníacos excesivos y extraños y teme que algo grande se avecina. Y parece ser que Ángela y su hermana muerta tienen bastante que ver en ese asunto.

Sala 14: ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO

Esta es un film mítico ya, una crítica y descripción peculiar pero no muy alejada de la realidad de algunas de las instituciones mentales de la época en la que está basada. Lugares en los que escaseaban las intenciones terapéuticas y las intervenciones eficaces y, sin embargo, primaban los intereses mantenedores del orden y la sumisión por encima de todo, “en plan cárcel” pero con dosis de drogas diaria y consentida. Uno de los mayores atractivos de la película es Jack Nicholson, el lunático del cine por excelencia, pero destaco también, y con razón, las actuaciones de todo el elenco porque, como comprobaréis si decidís verla, algunas son de notable para arriba. Me gustaron bastante las escenas en las que el protagonista consigue crear un poco de ilusión y poner chispa a las rutinas demenciales del grupo de internos con el que se encuentra. Un grupo de entrañables locos (simpático batallón de chalaos, como los llama él en alguna ocasión) a los que no nos queda otra que tomar cariño y, por tanto, apenarnos si les vemos sufrir. Porque la película no es todo risas, hay escenas amargas que van en aumento conforme pasan los minutos de la cinta. En fin, una historia bien erigida sobre buenas interpretaciones, buenas situaciones, buenos personajes y buena ambientación. Todo ello orientado hacia un final que se va avecinando duro pero que resulta mucho más impactante de lo que se podía avecinar.

Título: Alguien Voló Sobre El Nido del Cuco (One Flew Over the Cuckoo's Nest)
Director: Milos Forman
Intérpretes: Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield, Will Sampson, Brad Dourif, Christopher Lloyd, Danny DeVito, Scatman Crothers…
Año: 1975
País: EEUU
Sinopsis: Randall C. McMurphy, un tipo que está como una cabra pero no oficialmente loco, entra en un psiquiátrico para pasar unas semanas en observación y ser evaluado. Estuvo en prisión y ahora cumple condena en una granja de trabajo. Pero su conducta conflictiva, perturbadora y extravagante induce a pensar que sus antecedentes penales se deben a trastornos mentales más que a la simple delincuencia, por lo que se pretende determinar su estado mental. Su estancia en la institución altera un poco el funcionamiento normal de las cosas y R.C. pronto descubrirá que un entorno tan insano sólo puede conducir a un único destino.

Sala 13: LOS AMIGOS DE PETER

Una película muy inglesa, con personajes muy ingleses (unos más que otros) entornos ingleses, comida inglesa y un toque de humor inglés, ese humor tan serio y extraño que a veces no entendemos pero que en el fondo resulta entrañable e irónicamente divertido. Es una historia sobre la amistad y el cambio. Sobre como la vida nos aleja y acerca pero que, con ciertas personas, basta un fin de semana para saber que están ahí. Quien no crea en la amistad puede verla perfectamente porque no es el principal atractivo de esta historia, sólo es el trasfondo en que basar la trama y el desarrollo de cada personaje. Personajes muy estereotípicos, todo hay que decirlo: la flipada solitaria, el rarito, el alcohólico fracasado, la zorra inestable, el matrimonio en crisis, la criada estricta y distante, la estrella de Hollywood, etc. Todos muy característicos con problemas muy comunes pero que, a pesar de ello, a mí me resultan convenientes porque siempre me han gustado las películas en las que cada personaje tiene su historia y sus miserias, a las que deben hacer frente o aprender convivir con ellas.Esta cinta, pese a ser británica, está rodada al estilo de las comedias románticas americanas que se hacían a finales de los 80 y principios de los 90, que ahora llenan las tardes de los canales de televisión en las vacaciones de Navidad. Una de las cosas por las que lo notaréis es que está llena de cancioncillas adecuadas para cada momento. Canciones que en aquel año se habían convertido o ya iban rumbo de hacerse auténticos clásicos. Tiene el atractivo añadido de ver al famoso Doctor House como era hace 16 años haciendo cine en su país natal. En fin, quizá no sea un clásico ni un peliculón pero no está mal.

Título: Los Amigos de Peter (Peter’s Friends)
Director: Kenneth Branagh
Intérpretes: Emma Thompson, Kenneth Branagh, Hugh Laurie, Stephen Fry, Alphonsia Emmanuel, Imelda Staunton, Richard Briers, Phyllida Law, Alex Scott…
Año: 1992
País: Gran Bretaña
Sinopsis: Un grupo de amigos se reúnen para pasar unos días alrededor de Nochevieja en la gran mansión que ha heredado uno de ellos. Formaban un grupo de teatro y música pero hace diez años que se separaron y, desde entonces, sólo se han visto en ocasiones contadas (habitualmente por motivos amargos). Cada uno ha hecho su vida: trabajo, pareja, hijos, animales de compañía o problemas, como todo el mundo y poco a poco van saliendo a la luz manías propias, debilidades, pasado, presente, secretos, choques y conflictos que harán replantearse la existencia a más de uno.

Sala 12: MYSTIC RIVER

Mystic River cuenta una historia de esas que quedan grabadas en la mente. Circunstancias de las que salen en la página de “Sucesos”, que ocurren todos los días alrededor del mundo. Pero minuciosamente contados remarcando las emociones y reacciones de los implicados con gran viveza. Este es debido, entre otras cosas, a las buenas interpretaciones de los principales actores (destaco a uno de mis favoritos: Sean Penn) y al buen hacer de Clint Eastwood, un grandísimo director le pese a quien le pese.

¡Qué fácil es hacerse daño! ¿Verdad? – dice un personaje en una escena. Yo me quedo con esa frase y la certeza que denota, pero añado que más fácil es dañar a los demás. ¡Cuán fácil es dañar! ¡Cuán difícil es reparar el daño y deshacer nuestros errores! Esos que hacen que los demás sufran. E inimaginables son las consecuencias que pueden ocasionase en la persona que dañamos. Y muchas veces sin ni siquiera darnos cuenta.
Pero la película no se conforma con pulimentar perfiles personales sino que se convierte en una intriga apasionante. Primero, engancha porque sabes lo que pasa y esperas a que ocurra lo que anticipas con expectación pero, de repente, descubres que no sabes qué está pasando y especulas sin parar, como en las buenas películas de detectives, queriendo descubrir más y más. Nuevas informaciones que hacen cada vez más complicado resolver el caso y hacen más atrayente el argumento. Os la recomiendo fervientemente, en definitiva, como casi todo lo que expongo aquí.

Título: Mystic River
Director: Clint Eastwood
Intérpretes: Sean Penn, Tim Robbins, Kevin Bacon, Laurence Fishburne, Marcia Gay Harden, Laura Linney, Eli Wallach, Tom Guiry, Spencer Treat Clark…
Año: 2003
País: EEUU
Sinopsis: Tres amigos (Sean, Dave y Jimmy) de 11 años juegan en la calle y gamberrean un poco. Un coche se acerca con dos hombres en su interior y se lleva a uno de los tres. Cuatro días después, aparece huyendo desde el bosque habiendo vivido una de las experiencias más traumatizantes que un niño puede padecer. Pasan más de 20 años y esos tres amigos apenas tienen relación alguna. Una noche, la hija de uno de ellos (Jimmy) es brutalmente asesinada. La policía encargada del caso, entre la que se encuentra como detective otro de los tres niños (Sean), irá poco a poco sacando a relucir las claves de aquel asesinato, del que apreciamos como sospechoso al tercero de ellos (Dave). Sus vidas volverán a cruzarse y más de un personaje tendrá que remover su pasado y tomar las decisiones oportunas. Unas veces serán correctas y otras no.

Sala 11: EL GRAN DICTADOR

Una parodia chispeante, como diría no se qué dibujo animado, que me ha sacado carcajadas continuas con escenas buenísimas repletas de un humor puro, sarcástico y arrollador. Una forma alternativa de tomarse una tragedia que todavía conmociona a millones de personas en todo el mundo y aún hace apretar los dientes de rabia solo con ver alguna que otra imagen de archivo. Eso sí, es un humor clásico del que muchas personas no harán uso pues hoy en día se lleva otra cosa. Aún así, considero bastante intemporal ese ingenio que desprende.“El Gran Dictador” es 100% Chaplin, brutal y magnífico en cada sketch. (Mítico es ya, para mí, la escena a solas del dictador con el globo terráqueo que me pareció una genialidad, sobre todo, en el momento histórico en la que se estrenó). La película está plagada de momentazos y pequeños detalles, tanto divertidos como emotivos, que le da esa riqueza a la película que lleva perdurando durante casi 70 años, siendo considerada uno de los clásicos obligatorios de los amantes de la comedia satírica del buen gusto. Parodia donde sólo se avergüenza a una personalidad demente, a una ideología antinatural y a un momento de la Historia que, de no ser por los millones de víctimas que se cobró, sería de chiste por lo ridículo y sin sentido. Opuestamente a eso, es decir, elegante y con mucho sentido, es el discurso final, flagrante, poderoso y esperanzador. ¡Ojalá esas disparatadas circunstancias hubiesen ocurrido en la vida real!

Título: El Gran Dictador (The Great Dictator)
Director: Charles Chaplin
Intérpretes: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner, Henry Daniell, Carter De Haven, Grace Hayle, Maurice Moscovitch, Billy Gilbert
Año: 1940
País: EEUU
Sinopsis: Astolfo Hinkel es el dictador de Tomania, una poderosa nación europea, y en sus planes está el destruir completamente al pueblo judío y a todos las razas de su dominio, excepto la aria, para crear lo que considera un futuro limpio y perfecto. Por otra parte, un barbero judío que, tras un accidente de aviación, ha perdido la memoria y ha estado ingresado en un hospital ajeno al conflicto que se ha estado dando en su país y de cómo su pueblo ha sido perseguido y aislado en guetos o campos de trabajo. Los dos personajes no tienen nada en común salvo su aspecto físico, lo cual puede llegar a ser una interesante arma a utilizar en algún momento.

Sala 10: LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS

Hace al menos nueve años, leí un libro titulado ¿Qué me quieres, amor? de un tal Manuel Rivas. Un libro formado por un conjunto de relatos cortos de carácter costumbrista al que no hice mucho caso, ya que lo leí forzado por un profesor como parte obligatoria para aprobar literatura. Cuando descubrí que habían hecho un largometraje de uno de los relatos que incluía ese libro, intenté recordar el contenido y pensé que debería ser una película muy aburrida porque en ese relato no había sustancia para hora y media en pantalla. Cuando comencé a verla descubrí que estaba basada en varios de los relatos de ese libro, que el director había conjugado a su aire y del cual salió un buen resultado: una historia tierna y encantadora, llena de medias sonrisas, momentos entrañables y alguna que otra enseñanza sobre la vida. Un retrato de crecimiento, aprendizaje, tradición y novedad en una época de la historia de España en la que la esperanza de unos y la desconfianza de otros pasaron a convertirse en miedo y represión respectivamente. Y las cosas comenzaron a cambiar en este país. Os la recomiendo porque hace aflorar sentimientos y reflexiones sin aburrir y porque la última escena es una de las más sobrecogedoras que he visto en los últimos tiempos.

Título: La Lengua de Las Mariposas
Director: Juan Luis Cuerda
Intérpretes: Fernando Fernán-Gómez, Manuel Lozano, Uxia Blanco, Gonzalo Uriarte, Alexis de los Santos, Guillermo Toledo…
Año: 1999
País: España
Sinopsis: Moncho es un pequeño niño gallego que en los últimos años de la segunda república padece el trauma de comenzar a ir al colegio. Superados los temores iniciales, comienza a demostrar que es un niño inteligente, cariñoso, amigable y con una energía y ganas de aprender tan grandes como su corazón. Don Gregorio es su profesor, serio pero cálido y cercano. Una buena persona con creencias firmes pero gran respeto y, ante todo, amante de la libertad. Una amistad se comienza a forjar entre esos dos personajes. Pero se avecinan tiempos difíciles. Tiempos de traición, de autodefensa, de convicciones que nublan las mentes. Y Moncho ha de aprender en la vida algo más que descubrir con un microscopio cómo es la lengua de las mariposas.

Sala 9: AMELIÉ

Me encanta este director. Un geniecillo loco con grandes ideas, con gusto por los planos y las secuencias fuera de lo común y con apego a personajes usualmente inusuales llenos de taras y manías divertidas. Esta película es un buen ejemplo de ello. Sólo la protagonista ya resulta encantadora, atrayente y, aunque muestra mucho de su carácter, personalidad y secretos, enigmática. La historia es peculiar y llamativa, gente corriente con ilusiones y objetivos un tanto peculiares que forman parte del camino de Amélie, esta niña-mujer a la que tomas tanto cariño que te empeñas en que le salgan las cosas siempre bien.En general, me parece una cinta divertida y entretenida, quizá un poco rara para ciertas personas que prefieren menos rodeos en una comedia, menos tono narrativo y más situaciones hilarantes. Pero es cuestión de gustos, porque el humor, la fantasía, el colorismo, la bondad, el candor y el optimismo que desprende la película a mi me llegaron profundamente. Un argumento enrevesado sin ser confuso, con algunas sorpresas agradables y el mensaje de que, con un poco de ayuda, cada cual tiene lo que se merece y que no es tan difícil hacer feliz a la gente. Sólo basta con proponérselo y ponerse manos a la obra.

Título: Amélie (Le fabuleux destin d'Amelie Poulain)
Director: Jean-Pierre Jeunet
Intérpretes: Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Rufus, Lorella Cravotta, Serge Merlin, Jamel Debbouze…
Año: 2001
País: Francia
Sinopsis: Amelié Poulan es una joven tímida, callada y soñadora que trabaja en una cafetería de París. Su vida cambia el día que muere Lady Di, ese día descubre una pequeña cajita tras una losa de su piso. Una cajita que perteneció a un niño unas décadas atrás y que dejó guardado como un tesoro. Amélie se propone encontrarlo y devolverle sus recuerdos. Los resultados son tan buenos que decide dedicarse en cuerpo y alma, de forma sutil y anónima, a hacer más felices a los que están a su alrededor, a echar un cable al destino y poner las cosas en su sitio. Pero de repente un día, alguien se cruza en su camino: un misterioso joven con una extraña afición fotográfica. Amélie empieza a interesarse mucho por él y se enamora. Pero, a pesar de ser una experta en ayudar a los demás a encontrar la felicidad, parece ser que cuando se trata de la suya, no es tan fácil. Hay temores e inseguridades que debe superar.

Sala 8: TSOTSI

No esperaba que esta película me gustase tanto. No es que se convierta en una de mis favoritas pero sí estará en mi recuerdo como una de las que me tocaron ahí. Lo que sí me esperaba, al tratarse de una historia sobre pobreza y delincuencia, es la crudeza de algunas imágenes y, en ese sentido, no me ha decepcionado pues han sido las justas y necesarias para emocionar sin herir sensibilidades. A propósito de sensibilidad, para nada esperaba emocionarme y, en un par de momentos, lo hice. Y eso se debió a la simplicidad con que se muestran la dureza de los sentimientos humanos, sus límites y las devastadoras consecuencias que pueden ocasionar para un niño determinadas formas de vida, el perder la infancia precipitadamente y un entorno tan nocivo.

Está bien que todos los rincones de todos los países de la Tierra puedan contar sus historias. Hay ya muchas películas en las que se retratan “barrios chungos” y jóvenes delincuentes pero, según mi parecer, nunca es suficiente cuando la intención es hacer ver que hay millones de lugares en el mundo en los que si tienes la mala suerte de nacer, te condenas a repetir los mismos errores que tus antecesores una y otra vez. Puede que haya muchas como ésta pero Tsotsi es algo diferente porque el análisis queda focalizado en una sola persona y su desestructurada emocionalidad.

Por último, me gustó mucho el hecho de pasarme toda la película intentando entender la forma imprevisible de actuar del protagonista, sus motivaciones, su psicología, creencias y planes. Me encantan los personajes complicados. Definitivamente, una buena película.

Título: Tsotsi
Director: Gavin Hood
Intérpretes: Presley Chweneyagae, Terry Pheto, Kenneth Nkosi, Mothusi Magano, Zenzo Ngqobe...
Año: 2005
País: Sudáfrica
Sinopsis: Tsotsi es un joven cabecilla de una pequeña banda de rateros que se dedican a intimidar y robar a gente adinerada. Psicológicamente endurecido, con unas habilidades sociales un tanto amorales y sin sentimientos aparentes, vive en un poblado chabolista de Johannesburgo, en Sudáfrica. Una noche comete una serie de estupideces, las más grandes de su vida, entre las que se encuentran: matar a un tipo, dar una paliza a un amigo, disparar a una mujer y robarle el coche (llevándose de rebote algo inesperado y frágil que había en el asiento trasero) El caos del poblado, junto a las pocas intenciones de la ley local de entrar ahí, lo protegen temporalmente. Pero desde aquella noche y debido al papel que decide asumir con respecto a “la sorpresa” que encontró en el coche, parece que algo en su mente comienza a transformarse, iniciando un viaje muy lento y escarpado hacia el cambio con consecuencias imprevisibles. Tan imprevisibles y duras como él.

Sala 7: EN LA CUERDA FLOJA

Una película que, aunque tengo en mi poder desde hace meses, parece ser que me resistía a ver. Será que lo bueno se hace esperar. Mi conclusión: un peliculón. Los amantes de la música en general, los interesados en los turbios años del country y el rock and roll y en las tormentosas vidas de los cantantes de entonces, muchos de los cuales no han vivido para contarlo, disfrutarán con esta magnífica biografía de Johnny Cash: su ascenso a la gloria, su decadencia y su renacer. No acostumbro a hablar de los actores o actrices de las películas que comento en este blog pero eso va a cambiar en este preciso momento porque de este film destaco, sobre todo, las olímpicas interpretaciones de la pareja protagonista. Magistral y deslumbrante Joaquin Phoenix (mítico, diría más bien) en el mejor papel que le he visto hasta ahora. Y perfecta y radiante Reese Witherspoon, digna del Oscar que ganó con esta peli. Juntos parecía que habían nacido para estar cantando en un escenario (aunque ellos no canten) o que llevaban haciéndolo toda la vida.

¡Sí, señor! Solo tengo halagos para esta película ya que, a pesar de que dura más de dos horas, me quedé con ganas de más actuaciones. Y es que soy un ávido engullidor de música de todos los tiempos y, si a eso sumamos mi debilidad por los films biográficos que Hollywood se suele currar de vez en cuando con montajes espectaculares, entenderéis como he disfrutado. Os la recomiendo fervientemente.

Título: En La Cuerda Floja (Walk The Line)
Director: James Mangold
Intérpretes: Joaquin Phoenix, Reese Witherspoon, Robert Patrick, Ginnifer Goodwin, Shelby Lynne, Hailey Anne Nelson...
Año: 2005
País: EEUU
Sinopsis: La vida de Johnny Cash cambia radicalmente cuando, junto con dos amigos músicos consigue grabar un disco. El estilo fresco y único y una intensa gira por todo el país junto a los grandes del momento (entre ellos Elvis o Jerry Lee Lewis) les concede un rápido ascenso a las listas de éxitos y un aumento desmesurado de sus cuentas bancarias. Ahora puede conseguir todo lo que siempre quiso y dar a su esposa lo que le prometió años atrás. Pero la locura de la fama, su ritmo desenfrenado, unida a los propios fantasmas, la obsesión por su compañera de gira June Carter, la culpa por la muerte de su hermano cuando era un niño, la insatisfacción continua propia del que tiene todo menos lo que quiere y las inseguridades infundadas desde la infancia, aderezado todo ello con el toque único que solo dan las drogas, harán que pronto el sueño empiece a difuminarse.

Sala 6: AL SUR DE GRANADA

Me gustó mucho este retrato costumbrista y de choque de culturas. Algo muy visto ya en numerosas ocasiones pero que, si se hace con sabiduría, gracia y salero, nunca está de más. Esta película es de esas que dicen en más de una escena: las cosas, por aquí, no son así. Aquí lo hacemos de otra manera. Y, a pesar de no ser una obra maestra, no tiene nada que envidiar a las superproducciones.

Prestando atención a casi todas las frases de la película me doy cuenta que son parte de la esencia de la ambientación. Me refiero a los diálogos de la gente del pueblo, sobre todo la criada que, según mi parecer, lo borda. En general, los personajes, siempre peculiares, están bien definidos (me encantan el cura y Paco). Y las interpretaciones son bastante logradas. No todas, claro está (alguna que otra lo podría haber hecho mejor).

Se hace llevadero y divertido que esos conflictos interculturales o, más bien, esas diferencias entre formas de vida sean abordados de forma tragicómica.

La situación no puede ser más típica: un joven escritor extranjero que viene a tierra desconocida y rústica en busca de inspiración. Atormentado por su vida personal, encuentra en ese pueblo, sus gentes, sus conocimientos y desconocimientos, sus costumbres y exageraciones, lo que estaba buscando. La diferencia es que éste, Gerald Brenan, existió en realidad y fue un gran amante y difusor de lo andaluz. (Este film consiste en una adaptación muy libre de una época de su vida)

Por último, el contexto creado en la mismísima Alpujarra granadina, el entorno mágico y los paisajes de antaño, son un gran aliciente más para esforzarse por ver esta cinta.
En definitiva, una película llena de casas blancas, gallinas, señoritos, motes y tópicos populares pero, sin embargo, genial.

Título: Al Sur de Granada

Director: Fernando Colomo
Intérpretes: Matthew Goode, Verónica Sánchez, Guillermo Toledo, Antonio Resines, Ángela Molina, Mariana Cordero, Bebe Rebolledo...
Año: 2003

País: España

Sinopsis: Gerald Brenan es un joven inglés, poeta, bohemio y aventurero que busca un lugar a donde huir de su vida personal y donde estimular su creatividad para escribir. Encuentra la paz, por casualidad, en Yegen, un pueblo de la Alpujarra granadina que, en 1920, se encontraba inmerso aún en el siglo XIX. Allí va conociendo costumbres, rituales y gente muy diferente y va haciéndose en hueco en ese pueblo, ganando adeptos a su viento fresco en ese rincón perdido de Dios (el cura liberal, el amigo gracioso de los malos consejos, la criada supersticiosa, la jovencita guapa...) . Y, de telón de fondo, el amor: la típica relación tormentosa que suele rodear la vida de los poetas trotamundos. La historia se abre paso gracias a su reciente obsesión y se desata en un final acorde a las historias de pueblo de la época: las cosas que se dejan pasar, las cosas se callan y los sacrificios que sentencias vidas.

Sala 5: APOCALYPSE NOW

A pesar de que al oír que una película de Hollywood trata sobre la guerra de Vietnam nos vienen a la mente las palabras "patriotismo y honor yanki", según mi punto de vista, este film no desprende para nada ese tufillo de superioridad tan predicado por otras del mismo género y origen. Es más, se ha dicho (y con motivo) que es un canto antibelicista en el que el director desata toda sus genialidad a la hora de presentar un infierno como es la guerra y las consecuencias que de ello se derivan en el alma humana, sin caer en la compasión fácil de los millones de víctimas. (Lamentable al fin y al cabo pero muy trillado en el cine ya). Un buen montaje con el que esta historia no se convierte en otra bélica más ensalzadora de los valores de barras y estrellas.

Actores grandes, bien construida, tanto visualmente como en lo que concierne a efectos de sonido, y una banda sonora estupenda que inunda de manera espléndida cada momento cumbre con un acierto musical tras otro. Un argumento básico, un objetivo claro y definido desde los primeros minutos, que se va llenando de bifurcaciones y momentos divertidos y reflexivos conforme avanza la misión, además de frases chistosas en los momentos más tensos y arriesgados (al más puro estilo del héroe americano).

Todo eso en conjunto, consigue dejar en la memoria colectiva escenas míticas en las que se han basado parodias, homenajes y guiños varios en todo tipo de creaciones posteriores.

Una gran película. Y lo dice uno que no se gusta de las pelis de guerra. Tenedlo en cuenta.

Titulo: Apocalypse Now
Director: Francis Ford Coppola
Intérpretes: Martin Sheen, Marlon Brando, Dennis Hopper, Robert Duvall, Frederic Forrest, Albert Hall, Sam Bottoms, Laurence Fishburne, Harrison Ford
Año: 1979
País: EEUU
Sinopsis: Una guerra, un capitán del servicio de inteligencia que ha perdido un poco el norte (el capitán Willard) es el elegido para la misión extraoficial y secreta de acabar con un peligro: un coronel que, aparentemente, ha perdido algún tornillo (o todos) y no para de hacer operaciones arriesgadas en el frente.
La pandilla de personajes con la que se encuentra al llegar a bordo del barco, que será su hogar durante el tiempo que dure cumplir su objetivo, son tan atípicos como convencionales y, sobre todo, americanos. Americanos como el rock, el tabaco, las drogas y el surf que tan presentes se hallan durante la película.
Poco a poco irá conociendo a ese coronel, su historial y sus valores y algo en Willard cambiará.